Арт-галерея

Жизнь коротка, искусство вечно. (Гиппократ)

Здесь можно поговорить о любимых художниках, скульпторах, графиках и мастерах прикладного искусства.
А также о выставках, музеях, галереях.
И вообще обо всем, связанном с изобразительным искусством.

 

• 
  День рождения Ивана Творожникова
  
  Спойлер

  В этот день 176 лет назад в семье крепостного крестьянина Тверской губернии родился в прошлом известный русский живописец, реалист, мастер портрета и жанровой живописи, посвятивший своё творчество в основном изображению нелёгкой крестьянской доли, педагог, академик Императорской Академии художеств Иван Иванович Творожников
  
  
  
  
  Девочка, 1889 год. Холст, масло. Иркутский художественный музей
  Иван ТВОРОЖНИКОВ
  
  Ваня Творожников рисовал с детства, посвящая любимому занятию каждую свободную минуту, благо, холстов (которыми для него являлись бревенчатые стены домов и заборы) было в предостаточно, как и угля, служившего ему кистями и красками... Потом отец отправил его в столицу, где мальчишка выполнял разную работу: был половым в трактире, рассыльным в учреждении, дворником, приказчиком в лавочке, подручным в мастерской. И всегда и везде он находил возможность рисовать, где, чем и на чём попало...
  
  
  
  Поручик Василий Мирович у тела Иоанна Антоновича 5 июля 1764 года в Шлиссельбургской крепости, 1884 год. Холст, масло. Государственная Третьяковская галерея
  
  Мальчик-нищий с корзиной, 1886 год. Холст, масло. Козьмодемьянский художественно-исторический музей им А.В. Григорьева
  
  
  Книгоноша, 1887 год. Холст, масло.
  
  
  Портрет дочери, 1888 год. Холст, масло. Сумский художественный музей
  
  Паренька приметили, его рисунки впечатлили случайного прохожего, который, обнаружив в мальчике художественный талант, познакомил его с настоящими художникам, отпределившими Ивана в Петербурге Рисовальную школу Общества поощрения художествю Далее Творожников окончил Императорскую академию художеств с серебряной медалью, расписывал два главных собора империи: и Исаакиевский собор в Петербурге, и храм Христа Спасителя в Москве. А потом вернулся на родину.
  
  
  
  Бездорожье в Тверской губернии. Земский врач, вторая половина XIX века. Холст, масло. Частное собрание
  
  
  Девочка-крестьянка, вторая половина XIX века. Холст, масло. ГРМ
  
  
  Скромная еда, вторая половина XIX века. Холст, масло. Частное собрание
  
  
  Гармонистка, 1880-е годы. Холст, масло. ГРМ
  
  Позже Ивана Ивановича Творожникова пригласили преподавать в натурный класс Высшего художественного училища при Императорской Академии художеств, где он получил звание профессора. В 1906 году избран академиком ИАМ. Часто и успешно выставлялся, в том числе на выставках Товарищества передвижных художественных выставок и за границей.
  
  
  
  Зимой, 1890 год. Холст, масло. Нижегородский художественный музей
  
  
  Бабушка и внучка, 1891 год. Холст, масло. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург
  
  
  Портрет девочки, вторая половина XIX века. Картон, масло. Частное собрание
  
  
  Портрет горца, конец XIX века. Холст, масло. Частное собрание
  
  
  Горе, 1899 год. Холст, масло. Новгородский художественный музей
  
  
  Старушка с прошением, конец XIX века. Холст, масло. Херсонский художественный музей
  
  
  Птичка улетела, 1917 год. Холст, масло. Бердянский художественный музей
  
  
  Портрет академика Ивана Ивановича Творожникова, 1910 год. Холст, масло. ГРМ
  Василий САВИНСКИЙ
  Иван Иванович Творожников скончался летом 1919 года в Петрограде в крайней бедности и от полного истощения...
  
  
  
  _

 

В Русском музее откроется выставка к 225-летию художника Карла Брюллова


Выставка, где каждый экспонат — шедевр, а один и вовсе мировая сенсация. В этом году — 225 лет со дня рождения Карла Брюллова, и в Петербурге Русский музей готовится представить все лучшее из наследия художника, которого современники недаром называли «Великим Карлом». Открытие в пятницу, 18 октября. В залах более трехсот его работ — графика, рисунок и, конечно, живопись.

Грандиозное полотно «Последний день Помпеи» можно будет увидеть вновь после самой масштабной за 200 лет реставрации. Ну и главный сюрприз — картина «Христос во гробе». Ее широкой публике покажут впервые. Пропадавшая на целый век и возвращенная в Россию, она была в частной коллекции за границей. И еще более 20 лет ушло, чтобы с полным правом она стала нашим национальным достоянием.

««Запрестольный образ Христос во гробе» включен, благодаря усилиям государственных органов Российской Федерации после 20 лет борьбы за это, в музейный фонд Российской Федерации, поэтому он неприкасаем, не может быть отчужден никогда, ни при каких обстоятельствах. Входит в постоянное собрание Русского музея. Наверняка мы будем ее реставрировать. Наши реставраторы еще окончательно вердикт не вынесли. Но мы изначально хотели показать, а это будет впервые для отечественной публики, продемонстрировать его таким, каким мы его обрели», — сообщила генеральный директор Государственного Русского музея Алла Манилова.

 

Большая красота от Джузеппе Армани.

Спойлер

Знаменитая коллекция "Толстушки" изготовлена в студии Джузеппе Армани. Авторская ручная работа. Итальянские дизайнеры и мастера вложили всю нежность и утонченность в эту красоту, плавность и выразительность форм превращает изделия этой фабрики в произведения искусства. Коллекция носит гордое название – "Beautifully Big" («Большая красота»). Забавные фигурки пышных дам и джентльменов, выполнены элегантно и с большим юмором. Здесь можно найти множество стилей: классика, ренессанс, мифология, и даже каждодневная жизнь........ А если приглядеться, то можно увидеть и больше....

​

​

​

​

​

​

​

бб

​

​

​

--

 

Самобытные,характерные и талантливые картины Ирика Мусина

Спойлер

Путь шамана




Крестьянин






Заноза






На скамейке




Бабье лето






Сладкое яблоко






И это снилось мне, и это снится мне,
И это мне еще когда-нибудь приснится,
И повторится все, и все довоплотится,
И вам приснится все, что видел я во сне.

Там, в стороне от нас, от мира в стороне
Волна идет вослед волне о берег биться,
А на волне звезда, и человек, и птица,
И явь, и сны, и смерть - волна вослед волне.

Не надо мне числа: я был, и есмь, и буду,
Жизнь - чудо из чудес, и на колени чуду
Один, как сирота, я сам себя кладу,
Один, среди зеркал - в ограде отражений
Морей и городов, лучащихся в чаду.
И мать в слезах берет ребенка на колени.

Арсений Тарковский.



Колыбель






Шепот осени








Осенние берега речки Меши






Берёзовая роща






Тропинка к роднику






Утро туманное






Северное лето

 

А это интересно....

Спойлер

Мой друг любил подростком огорошить вопросом: как настоящее имя Эль Греко?
Никто не знал, ясное дело. Выждав паузу, друг торжествующе произносил: Доменикос Теотокопулос.
Важно было произнести без запинки. А вообще да, этого художника итальянцы называли просто «греком», так и вошел в искусство.
Некоторых художников мы знаем именно под – даже не псевдонимами – а скорей прозвищами. Особенно итальянцев.
Доменико Гирландайо имел фамилию Бигорди. Он был ювелиром, хорошо делал гирлянды, отсюда и прозвище.
Боттичелли значит «бочонок», потому что упитанный. А на самом деле – Алессандро Филлипепи.
Тинторетто значит «маленький красильщик», его папа был красильщиком тканей, а звали художника Якопо Робусти.
Нидерландец Босх на самом деле Ерун ван Акен, а вот это «босх» просто от места, где родился, обычное дело.
Наш Перов, мастер живописных страданий, мог бы получить фамилию Криденер, его папа был тобольским прокурором и бароном. Но, как незаконнорожденный, Василий не имел такого права. Только фамилию и от мамы не получил, а она была Иванова. Перов – тоже прозвище, как ни странно. Так его прозвал дьячок, обучавший чистописанию. Мальчик был очень старательный.
Лев Бакст носил фамилию Розенберг, а звучный псевдоним образовал от кого-то из предков.
Иван Айвазовский был изначально Ованес Айвазян. Но это, кажется, все знают.
Энди Уорхол – Андрей Варгола, его родители из Закарпатья, люди совсем простые. Вообще загадка, как в такой семье возник творец поп-арта и самый модный чувак Америки.

 

Безмерно симпатичные авторские маленькие куклы

Глядя на кукол, созданных талантливой псковской художницей Еленой Кириленко, не улыбнуться просто невозможно. В миру она учитель и мать трёх маленьких сыновей, но при этом находит время для творчества. Уже несколько нет Елена занимается изготовлением кукол из запекаемого пластика, каждая из которых выполнена в единственном экземпляре.

Спойлер: Жозефина

Совунья



Шурик


Лёня



Мохнатый шмель



Лука


Карасик



Вероника



Джентельмен



Ацуко

Спойлер: Жозефина

 

Спойлер: Флора

Виорика



Маленький принц



Марк и Мирабель



Вероника



Шут



Малика



Младенцы

 

Анна Мария Мозес (1860 - 1961) жила как классическая бабушка: занималась хозяйством на своей ферме, нянчила внуков, готовила пироги и скучала – возраст берёт своё: Анне было за семьдесят, силы покидают, да ещё и этот артрит. Всю свою жизнь она трудилась, всегда была при деле, что же, теперь учиться бездельничать?

По совету дочери бравая бабуля взяла кисть и начала писать картины недалеко от своего восьмидесятилетия, потихоньку участвовала в небольших ярмарках и дарила работы в местные заведения.

И вот вам чудо – однажды мимо её фермы проезжал арт-коллекционер Луи Кальдор и случайно наткнулся на забавные зарисовки в местной аптеке. Срочно надо найти автора! Аптекарь удивился, но продал Кальдору все картины неизвестной бабульки и дал чудаку адрес престарелой художницы.

Луи поклялся сделать Анну Мозес известной. Бабушка снисходительно покивала, продала свои работы за безумные 200 долларов и пожалела бедолагу – пусть молодежь мечтает, кому нужны её художества.

Но Кальдор оказался упорным фанатом – победил скепсис галеристов (старушке уже считай 80 лет, вряд ли успеем окупиться) и организовал показы. Частная выставка, музейная выставка и наконец громкий успех – универмаг Gimbels выставил картины вместе с джемом и закрутками художницы (Анна больше была знаменита своими соленьями и вареньем) и, бабушки-лапушки, какой это был успех.

Не карьера, а настоящее чудо. Вдумайтесь: в 76 лет Анна начала свой путь в живописи, в 80 лет к ней пришли всемирная слава и почёт: награды от президента, обложка в Time, именной кратер на Венере, автобиография и даже фильм о художнице с номинацией на Оскар. И более 1600 работ, наивных, забавных, уютных.

Анна Мозес или Бабушка Мозес превратилась в икону американского наивного искусства. Но она никогда не преследовала славу, деньги или особое признание. Она прожила трудовую и тихую жизнь, а потом захотела поделиться кусочками этой жизни в своих картинах.

Никаких мифических и исторических сюжетов, забудьте про перспективу, фигуры под самыми разными углами, никакой композиции и чистые цвета.

Спойлер

 

Некоторые воспоминания о первой жене Пикассо.( мне попалась интересная статья,решила поделиться с вами)

«Каждый раз, когда меняю женщину, я должен сжечь ту, что была последней. Так я избавляюсь от них..."

Спойлер

Разглядывала работы Пикассо, некоторые производят отталкивающее впечатление. Начала читать историю создания особо неприятных работ и меня поразила жестокость, как он с помощью картин высказывал свое отношение к женщине, которую в начале любил, а потом ненавидел.
Пабло Пикассо известен всему миру, его картины продаются за баснословные суммы...Никогда меня особо не интересовала его личная жизнь, а сейчас решила прочитать, очень неприятный осадок остался.
Ни одну женщину он не сделал счастливой. Он приносил несчастье женщинам, которые его любили, кто-то сошел с ума, кто-то свел счеты с жизнью, хотя в начале его любовь была сильной и настоящей…Его стихией были публичные дома, где он был завсегдатаем…
Можно с уверенностью сказать, что больше других настрадалась его первая Ольга Хохлова.
Дочь русского офицера, родившаяся в украинском городе Нежине, балерина, очаровала Пикассо в 1917 году.


Считается, что именно она была вдохновительницей его «классического» периода, когда кубизм был на время отложен в сторону его основоположником.
Они познакомились в Риме, известный художник 36 лет, который с 14 лет имел кучу любовных связей и не только с любовницами, но и с любовниками, внешне ничем не примечателен – коренастый коротышка с обычным лицом и Ольга, которая была девственницей, пугливой и неприступной, что Пикассо воспринял, как вызов. В итоге он растопил ее сердце. Ольга влюбилась и очень понравилась его матери, которая попыталась предостеречь девушку «Бедная девочка, ты понятия не имеешь, на что обрекаешь себя. Будь я твоей подругой, то посоветовала бы не выходить за него ни под каким предлогом. Я не думаю, что с моим сыном, который озабочен только собой, сможет быть счастлива хоть одна женщина».
Ольга не прислушалась к словам матери Пикассо, стала его законной супругой.
Казалось, что художник остепенился, все было замечательно, он много рисовал жену и в его работах чувствовалась нежность, а она любила его искренней, сильной и преданной любовью. Она стала матерью его первого сына.

Он много рисует ее в реалистической манере. На этом настаивала сама балерина, не принимавшая эксперименты в живописи. «Я хочу, — требует Хохлова, — узнавать свое лицо».


Друзья Пикассо критиковали художника, называя каблуком и зазнавшимся буржуа, изменения в нем приписывали влиянию русской жены, которую не любили. Она казалась им высокомерной и надменной.
Их брак продлился 37 лет, с 1918-го по 1955-й год. В начале двадцатых художник вернулся к старому образу жизни, развлекался с женщинами на стороне, в к жене становился все более холодным и отчужденным.
Однажды Пикассо, еще в конце 20-х годов, сделал мерзкий унизительный снимок своей жены на фоне портрета обнаженной любовницы, вероятно, таким образом он садистично унижал опостылевшую и ни о чем не подозревающую жену. Читала это и чувствовала отвращение к этому гению!
- Это голова Ольги по мнению разлюбившего мужа

Какое-то время Ольга часто бывала в обществе, но уже в 30 годах большую часть времени проводила в больнице. Известие об изменах Пикассо дошло до нее в 1935 году.

Она хотела развестись, но Пикассо не давал согласия из-за равноценной дележки имущества, нажитого с 1918 года. Кроме того, его устраивала роль любящего семьянина и на бумаге оставался мужем Ольги вплоть до ее
смерти.
Теперь Пикассо рисует Ольгу совершенно иначе, но все равно рисует, в его картинах чувствуется ненависть, а женщина предстает в ужасных обезображенных формах.


Она очень тяжело болела раком, но Пикассо было все равно, он ни разу не навестил жену. Его не было и на похоронах, он заканчивал серию картин «Алжирские женщины», которая сейчас оценивается в 179 миллионов долларов.
Первая выставка работ Пикассо, посвященная исключительно Ольге Хохловой, состоялась в марте 2017 года в парижском Музее Пикассо. И каким же было удивление посетителей, когда они увидели совсем другую Ольгу. Счастливо улыбающуюся на ранних фотографиях, смеющуюся и играющую с собаками на семейных видео, которые снимал Пабло. На одном из них Ольга гадает на лепестках цветка: «любит — не любит».

«Каждый раз, когда меняю женщину, я должен сжечь ту, что была последней. Так я избавляюсь от них... Убивая женщину, уничтожают прошлое, которое она собой олицетворяет», - проповедовал гений, чьи подруги одна за другой попадали то в психлечебницу, то кончали с собой.
Пикассо сделал нервные срывы Ольги достоянием общественности, ее стали называть истеричкой и сумасшедшей.
Его внучка Марина писала о нем «Когда при мне говорят о гениальности Пикассо, мне так и хочется ответить: «Да, он был гений. Но - гений зла». «Каждый свой холст Пикассо подписывал кровью тех, кто его любил, – утверждает Марина. – В первую очередь это относилось к любившим его женщинам. Каждую oн очаровывал, приручал, расчленял на своих полотнах, выжимал по капле все соки, а потом выбрасывал обескровленную жертву из своей жизни»

Марина Пикассо сделала все, чтобы избавиться от призрака своего гениального деда. Сначала в своей книге «Мой дед Пикассо» она рассказала, как великий художник сломал ее жизнь и жизни ее родных. А потом переделала его виллу, уничтожив почти все, что было связано с Пикассо, куда в детстве ее едва пускали на порог и где она стала полновластной хозяйкой. Теперь в прихожей гостей встречает портрет Ольги Хохловой, первой жены Пикассо и бабушки нынешней хозяйки «Калифорнии».
Пикассо однажды сказал: «Моя смерть будет похожа на кораблекрушение. Когда под воду уходит океанский лайнер, в воронку затягивает все оказавшиеся поблизости суденышки». Так и случилось. Паблито, внук Пикассо, отравился через два дня после похорон деда. Спустя два года умер старший сын художника Пауло. Мария-Тереза Вальтер, одна из возлюбленных Пикассо, повесилась в 1977 году, а в 1986-м застрелилась его вторая жена Жаклин Рок. Внучка Пикассо Марина считает, что ей повезло. «Я должна была стать одной из жертв этого кораблекрушения. – пишет она в книге «Мой дед Пикассо», – но я выжила. Выжила благодаря жажде жизни, унаследованной от деда. Хотя деда, по сути, у меня никогда не было».
Свою бабушку Ольгу Хохлову Марина называет единственным человеком, которая была к ней добра. Марина хранит дамский несессер, доставшийся ей от Хохловой, а кровать в спальне «Калифорнии» покрыта норковым одеялом — в честь русской бабушки, как уверяет Марина.

Бабушка «часто рассказывала… сказки на красивом и мелодичном русском языке, – вспоминала внучка. – …и никогда мы от нее не слышали дурного слова о Пикассо, бросившем ее на произвол судьбы».

Спойлер

 

Апокалипсис (Библейский сюжет).

Спойлер: Художник Леонид Чупятов .

Чупятов Л.Т. «Покров Богоматери над осаждённым городом». 1941. Фрагмент

Эта картина удивительно соответствует ахматовским стихам, почти пророческим, написанным еще в 1914 году:

Только нашей земли не разделит
На потеху себе супостат:
Богородица белый расстелит
Над скорбями великими плат...

Анна Ахматова. 1914.

(1914… 1941… какие-то мистические даты... или цифры...).

«Лучшая его картина: темный ленинградский двор колодцем, вниз уходят темные окна, ни единого огня в них нет; смерть там победила жизнь; хотя жизнь, возможно, и жива еще, но у нее нет силы зажечь коптилку. Над двором на фоне темного ночного неба — покров Богоматери. Богоматерь наклонила голову, с ужасом смотрит вниз, как бы видя все, что происходит в темных ленинградских квартирах, и распростерла ризы; на ризах — изображение древнерусского храма (может быть, это храм Покрова-на-Нерли — первого Покровского храма… Покров Богоматери над осажденным городом» отражает «душу блокады»: «Разверзлись небеса, и умирающие увидели Бога».)». (из воспоминаний академика Дмитрия Сергеевича Лихачева о блокаде).

В своих воспоминаниях он не рассказывает о подвигах, не пишет ни о чем героическом, он никого не обвиняет, он просто рассказывает о том, что видел и пережил сам. И от этого эти записи еще страшнее... Они страшны своей обыденностью. Он рассказывает о том, как быстро человек привыкает к нечеловеческому. Как раскрываются люди в таких испытаниях... Дмитрий Сергеевич пишет о самой страшной, первой блокадной зиме 1941 - 1942 годов. Сам он выжил, потому что был эвакуирован на "Большую землю" в 1942 году, но о пережитом помнил до конца своих дней...
Блокада Ленинграда описывается как кульминация апокалипсиса.  

«… Разве страшны были вновь начинавшиеся обстрелы и налеты немецкой авиации? Кого они могли напугать? Сытых ведь не было. Только умирающий от голода живет настоящей жизнью, может совершить величайшую подлость и величайшее самопожертвование, не боясь смерти. И мозг умирает последним -- тогда, когда умерла совесть, страх, способность двигаться, чувствовать у одних и когда умер эгоизм, чувство самосохранения, трусость, боль — у других.
Нет! голод несовместим ни с какой действительностью, ни с какой сытой жизнью. Они не могут существовать рядом. Одно из двух должно быть миражом: либо голод, либо сытая жизнь. Я думаю, что подлинная жизнь — это голод, все остальное мираж. В голод люди показали себя, обнажились, освободились от всяческой мишуры: одни оказались замечательные, беспримерные герои, другие — злодеи, мерзавцы, убийцы, людоеды. Середины не было. Все было настоящее. Разверзлись небеса, и в небесах был виден Бог. Его ясно видели хорошие. Совершались чудеса.
Бог произнес: «Поелику ты не холоден и не горяч, изблюю тебя из уст моих» (кажется, так в Апокалипсисе).
Человеческий мозг умирал последним. Когда переставали действовать руки и ноги, пальцы не застегивали пуговицы, не было сил закрыть рот, кожа темнела и обтягивала зубы и на лице ясно проступал череп с обнажающимися, смеющимися зубами, мозг продолжал работать. Люди писали дневники, философские сочинения, научные работы, искренне, «от души» мыслили, проявляли необыкновенную твердость, не уступая давлению, не поддаваясь суете и тщеславию.

… Были ли ленинградцы героями? Не только ими: они были мучениками...

Художник Чупятов и его жена умерли от голода в декабре 1941 года.. Умирая, он рисовал, писал картины. Когда не хватило холста, он писал на фанере и на картоне. Он был «левый» художник, из старинной аристократической семьи, его знали Аничковы. Аничковы передали нам два его наброска, написанные перед смертью: красноликий апокалипсический ангел, полный спокойного гнева на мерзость злых, и Спаситель — в его облике что-то от ленинградских большелобых дистрофиков.

Лучшая его картина «Покров Богоматери над осаждённым городом» осталась у Аничковых» (из воспоминаний академика Дмитрия Сергеевича Лихачева о ленинградской блокаде).


Чупятов Л.Т. «Гневный ангел» 1941.
«... красноликий апокалипсический ангел, полный спокойного гнева на мерзость злых…»


Чупятов Л.Т. «Спаситель». 1941.
«… Спаситель - в его облике что-то от ленинградских большелобых дистрофиков...»



Чупятов Л.Т. «Богоматерь с младенцем». 1941

Среди последних произведений Л. Чупятова есть «Богоматерь с младенцем», в глазах которой отражаются пылающие Бадаевские склады. Картина была написана в то время, когда в Ленинграде горели склады с продовольствием.



Чупятов Л.Т. «Искушение, или 40 дней в пустыне» 1941 г

"Искушение, или 40 дней в пустыне" (1941) - картина, которая стала последней написанной им вещью. Она оставляет ощущения мистики, неземного видения. И одна из учениц самого Чупятова и его жены Ксении Павловны, Наталья Завалишина, вспоминала, что сам он выше всего ценил свои мистические картины, где он, по его словам, открывал "философскую сущность бога".


Леонид Терентьевич Чупятов (июль 1890 – декабрь 1941) - русский советский живописец, деятель русского авангарда.
Родился в Санкт-Петербурге. Ученик Кузьмы Петрова-Водкина. Учёба у К. Петрова-Водкина, знакомство с его методом помогло художнику определить свой путь в искусстве.

В 1919—1933 преподавал в различных учебных заведениях Новгорода, Киева, Ленинграда. В 1921—1925 работал в научно-исследовательском отделе ВХУТЕМАСа.

Путь Чупятова – путь одиночки, и его индивидуальный выбор особенно ценен на фоне общего сдвига в сторону соцреализма, а также пропаганды атеизма. Восхищает не только продолжение его формальных поисков в 1930-е годы (работы «Сон», «Луна над деревней» – обе 1936 год), но и приверженность к религиозной тематике - серия работ 20-30-х годов (разгар воинствующего атеизма) и последнего, самого трагического года жизни – 1941-го.


Чупятов. Л.Т. «Ангелы» 1920-е

В этом произведении, "Ангелы", пользуясь выражением В.Кандинского, «киноварь звучит подобно трубе». Мощная полная драматизма и художественной экспрессии композиция кажется воплощением апокалиптических пророчеств Серафима Саровского о судьбе России



Чупятов. Л.Т. «Серафим Саровский». 1920–30 гг.
,,Смирение может весь мир покорить" – (Преподобный Серафим Саровский).

Следуя и отступая от иконографии, по-модернистски трактуя канонические образы, он создал пронзительные и волнующие лики Богоматери, ангелов, святых и Спасителя, с Верой и даром большого художника, истово чувствуя и переживая эпоху. Апофеозом цикла стал «Покров Богоматери над осажденным городом".
«Покров Богоматери над осажденным городом», написанная осенью 1941-го, — это прямо-таки визуализированная молитва, неканоническая икона на тему трагедии, разворачивающейся на глазах автора.

В блокаду погибло большинство произведений Леонида Чупятова, однако о нем не забывали в интеллигентских кругах. Со временем перестали влиять на восприятие его личности мемуары современников, где частенько говорилось о его занудстве и скверном характере. На первый план вышла живопись, пусть и представленная всего несколькими десятками сохранившихся работ, зато оригинальная, непривычная и, несомненно, мастерская.


Чупятов Л.Т. «Мадонна»,. Она же – «Богоматерь Умиление». 1928.

"Богоматерь Умиление", написанная с применением аэрографа, кажется почти абстракцией, в которой постепенно раскрывается канон иконного письма.
При всей абстрактности геометрических линий мы легко узнаем Богоматерь, склонившую над младенцем голову в синем плате и самого Божественного Младенца, доверчиво протягивающего руку к ее лицу. Нежные руки матери поддерживают сияющее Дитя. Его маленькие ножки (одной он опирается на руку матери) – такие живые, такие человеческие. Трогательная и прекрасная картина.


Чупятов Л.Т. «Портрет жены Ксении» 1920-е.



Чупятов Л.Т. «Автопортрет» 1925.


Автопортрет художника, очень многоговорящий. Диагональная композиция, простая геометрия (круглая голова, треугольник торса, треугольники фона), ярчайшие краски - можно принять за чистый формализм, холодный эксперимент с цветом и формой. Но пристальный взгляд на зрителя из-за очков и поджатые губы приговоренного к молчанию, кажется, призывают догадаться о чем-то важном, что знает только герой холста.

На «Автопортрете» художник изобразил себя в почти неправдоподобном ракурсе. 1925 год — пик чупятовских экспериментов с цветом, композицией, фактурой. Художнику совершенно не до самолюбования, ему важны убедительные формальные решения. Неуживчивый «ботаник»-аскет с обритой головой и пристальным взглядом немного вверх из-под круглых очков — таким здесь Чупятов и представлен, как характеризовали его соученики и коллеги.

Или все же демиург, эзотерик, одинокий строитель «обновленного реализма», отторгнутый своей эпохой?

Одно другому в его случае не мешает.


Хочу добавить от себя.
Когда я, совершенно случайно, в инете, знакомилась с картинами Л.Т. Чупятова, у нас в городе открылась выставка фотографий Александра Родченко «Революция в фотографии».

И я увидела в фотографических опытах А. Родченко тот же самый, совсем не часто встречающийся, «диагональный ракурс», появившийся в результате экспериментов и в картинах Чупятова.

Они жили и экспериментировали в одно и то же время (Александр Родченко, 1891 – 1956 гг), поэтому «перекличка» их работ и экспериментов неудивительна. Но вот почему в моей жизни, моем сердце они встретились в одно и то же время? Почему Мультимедиа Арт Музей (Москва) именно сейчас организовал выставку фотографий А. Родченко в моем городе? А я почему-то пошла именно на эту выставку…
Совпадение?

Неужели настолько тесен мир или это тоже мистика?

 

Георгий Курасов – продолжатель традиций ар-деко и кубизма.

Спойлер

Кто-то называет живописный стиль Курасова – неокубизм. Встречалось и такое название – геометрическая живопись.

Кубизм в живописи — это направление, возникшее в начале XX века, которое характеризуется использованием геометрических форм и плоскостей для изображения предметов.
Основоположниками кубизма стали Пабло Пикассо и Жорж Брак.
Кубизм оказал значительное влияние на другие направления в искусстве, послужив основой для развития многих течений.
В живописи кубизм открыл дорогу абстрактному мышлению и дал зрителям возможность самим трактовать символы, изображённые на произведениях. Некоторые художники, которые прошли через кубизм: Сальвадор Дали, Рене Магритт, Пит Мондриан.
Кубизм считается переходным периодом между традиционным изображением и абстракцией
Один из примеров современного художника, работающего в стиле кубизма, — Георгий Курасов.

Родился Георгий Курасов в 1958 году в советском Ленинграде. В 1970 году будущий художник поступил в Ленинградское художественное училище для одарённых детей при Академии художеств. Принятие Георгия, было, своего рода, огромным комплиментом его таланту. В школе студентов обучали всем аспектам академического рисунка, в том числе анатомии человека. Это было время, когда Георгий разработал основу фантастического понимания человеческого вида, которая до сих пор характеризует его работы.

Уже много лет (с 1993 года) как Георгий Курасов выпал из художественного мира нашей страны. Поэтому те, кто ещё помнят его по концу 80-х думают, что Курасов эмигрировал. Но они ошибаются. Георгий Курасов живет и работает в своем родном городе Санкт-Петербурге. А свои картины он действительно не выставляет и не продаёт в России. Он их выставляет и продает исключительно в США.

Как так получилось? Да все достаточно просто и обыденно. Художественный мир СССР конца 80-х не принял творчество Курасова. Он учился на скульптора. Но тянуло его к живописи. Вот художники и считали его скульптором. А скульпторы - художником. Он с трудом стал членом Союза художников и еле-еле сводил концы с концами. Картины не покупали и почти не выставляли. А тут еще настали и 90-е с их экономическими трудностями. Счастливый случай в 1993 году свел Курасова с американским агентом по продаже произведений искусства. Картины ему понравились. Он стал их продавать в США. Курасов стал там известен, востребован и популярен. Сегодня его картины выставляются в лучших галереях мира. Кроме России.


Похищение Европы. 2015.


Женщина, читающая книгу. И апельсин.

Битва амазонок с кентаврами. 2013.

Диана.


Мастер и Маргарита.

Рождение мифа.

Шахматы. 2015.

Амазонка.

Танец. Цыганка.

Танго-джаз. 2018.

 

Испанский художник -Хосе Родригес(1985 год) работает в стиле современного импрессионизма

Молодой испанский художник. Изначально Хосе был художником не по образованию, а по призванию. Родители настояли на технической специальности, и Хосе получил диплом grado инженерного факультета Автономного университета Барселоны. Однако просто увлечение живописью переросло в нечто большее. По уверениям Хосе первое образование весьма помогает ему в создании картин о технике и спорте. На данный момент Хосе обучился по программе masterpropio именно в области искусства. Работы художника находятся в частных коллекциях России и за рубежом.

Спойлер

Карпы Кои.Круговорот счастья.



Птички Зимородки



Яхта.Крутой вираж



Щенок таксы на прогулке



Любопытный кот



Маковое поле.Жаркое лето



Океан для влюблённых



Филин.Тайна ночи.



Исаакиевский собор.



Алые маки

 

Красиво.
Некоторые картинки я стащила себе)))... Без разрешения...

Филин очень понравился, рыбки и щенок таксы))

 

понравилась оценка "Черного квадрата" Малевича.

и даже рекламный трюк Малевич просто скопировал у другого автора.

 

Загадочная жизнь и удивительная история любви художника Павла Филонова

Спойлер

Павел Николаевич Филонов и Екатерина Александровна Серебрякова, фото 1928 года / Фото: РГАЛИ
Павел Филонов был не только великим художником, но и самой, пожалуй, загадочной фигурой русского авангарда начала XX века. Удивительна и история любви этого человека.

«Маленькая моя дочка, ненаглядная Голубушка! Катюша родимая, как я тебя люблю! Сейчас ты где-то ходишь, по каким-то улицам, а твой Панька, твой черный ворог, лютый зверь, сидит, работает и старается заочно уберечь тебя от всех трамваев и автомобилей, когда ты переходишь улицу. Солнце ты мое теплое, весенний день Панькиной жизни!» Это отрывок из письма Павла Филонова, одного из самых странных и загадочных художников двадцатого века, своей жене Екатерине Серебряковой. У возлюбленных всегда есть какие-то свои, домашние, имена. Паня и Дочка — так называли друг друга Филонов и Серебрякова. Любовь Пани и Дочки была такой же непонятной для окружающих, невероятной, какой-то запредельной — и при этом очень настоящей и искренней. Их разделяли более двадцати лет разницы в возрасте — она была старше. Он был одинок, она — вдова и мать троих взрослых детей. Филонов — художник-авангардист, то обласканный властью, то попадающий в немилость; человек, живущий, скорее, не в реальном, а в своем особом мире. Она — респектабельная дама, преподавательница английского языка, с юности погруженная в политическую деятельность, много лет прожившая в Англии. И несмотря на все несовпадения, их история любви завораживает — так же, как завораживают картины Павла Николаевича Филонова.

Павел Филонов родился 8 января 1881 года в Москве, в самой что ни на есть простой семье: мать — прачка, отец — кучер. Родители рано умерли, и сиротами остались шестеро детей. Заботу о них взяли на себя старшая сестра, Александра Николаевна, и ее муж, санкт-петербургский купец 1-й гильдии Александр Андреевич Гуэ. Александра Николаевна переехала к мужу в город на Неве и забрала с собой младших братьев и сестер. Опекуны заметили необыкновенный артистизм маленького Павла и приобщили его к театру: с пяти до одиннадцати лет он танцевал в кордебалете московских театров. Но потом оказалось, что истинное призвание Филонова-младшего это живопись. В 1897 году его отдали учиться на мастера-декоратора в живописно-малярные мастерские. Потом, с третьей попытки, Павел смог поступить на живописное отделение Академии художеств. Но получить диплом он так и не смог: академическая живопись была для Филонова слишком скучной. Его, скорее, интересовал не классический рисунок, а то, что он называл «аналитическим искусством», где точка отсчета — атом. И если в академии учили рисовать «от общего к частному», начиная с общего эскиза и заканчивая прорисовкой деталей, то Филонов шел от мельчайших деталей к общему. Огромные полотна расписывал самой тоненькой кисточкой, утверждал, что именно такой путь создания картины правильный, так как повторяет развитие всего живого на Земле. «Глаз знающий» Филонов противопоставлял «глазу видящему». И скучному обучению в академии предпочел путешествия, в которых впитывал впечатления, схватывал и запоминал все краски мира. На пароходе плавал по Волге, потом отправился в Иерусалим с паломническим паспортом, любовался архитектурой Италии и Франции. Зарабатывал на жизнь как только мог: колол дрова и красил заборы, рисовал открытки и копии с икон, даже изготавливал обертки для карамели. Тогда-то и выработался его особенный образ жизни — аскетичный, полный самоограничений. Филонов был очень неприхотлив в быту, ел совсем мало — порой в день съедал кусок хлеба и стакан чая, не придавал значения модной одежде. Современники отмечали необычный цвет его глаз — темно-вишневый. Пристально вглядывался он в лица собеседников, высматривал что-то особенное и казался то гением, то гипнотизером, то бунтарем, то просто сумасшедшим. «Интересен не только циферблат, но и механизм, и ход часов», — говорил он.

Филонов добровольцем отправился на фронт и в 1916 году служил морским пехотинцем в составе Балтийской морской дивизии. «Я воюю не за пространство, а за время. Я сижу в окопе и отнимаю у прошлого клочок времени», — писал Филонов. После революции пошел работать председателем военревкома Придунайского края и вполне мог бы пойти по «партийной линии». Но, к счастью, вернулся к своему призванию. К живописи. Филонов стал, по собственным словам, «чернорабочим от искусства». Молодая страна нуждалась в таком же молодом, необузданном искусстве, какого не было прежде; Филонов был счастлив найти своих, — он сдружился с Владимиром Маяковским и Велимиром Хлебниковым. Участие в Первой государственной свободной выставке произведений искусства в Зимнем дворце принесла Филонову большой успех. Его стали называть одним из лучших пролетарских художников.

В 1919 году Павел Николаевич Филонов получил комнату номер семь в Доме литераторов на набережной реки Карповки, 19. Комната была огромной, в два окна, а из мебели только кровать с досками вместо матраса, грубый стол с парой стульев и книжные полки. Но в комнате было столько пространства, света и голых стен! На них Филонов тут же развесил свои картины, и пространство словно расширилось до размеров Вселенной, наполнилось образами и красками.

Он еще не знал, что в этом же доме живет семья Серебряковых. До встречи с самой большой любовью его жизни оставалось совсем немного — два года.

12 апреля 1921 года к Филонову постучали. Интеллигентный молодой человек попросил об услуге: написать по фотографии портрет недавно умершего отца, старого народовольца Эспера Александровича Серебрякова. Филонов на просьбу откликнулся. За готовым портретом пришла вдова, Екатерина Александровна. От денег за работу Филонов отказался. Он все смотрел на нее, немолодую уже женщину с аккуратно зачесанными темными волосами, в которые будто вплетены серебряные ниточки, с тонкой кожей, с нежными и печальными карими глазами, — и хотел прижать ее к себе, защитить от целого враждебного мира. Екатерина Александровна предложила помочь Филонову в занятиях английским языком, он с готовностью согласился. Потом — захотел писать ее портрет, и она исправно приходила позировать.

Потом ему показалось, что что-то плохое и мрачное перешло на холст и испортило картину; он стремительно порвал портрет и тут же начал новый.

Ей было пятьдесят семь, а он на два десятка лет моложе. Но как-то сразу она стала ему «Дочей», «Доченькой», «Катенькой». Через три года, в 1924 году, Филонов и Серебрякова поженились.

Странная, но прекрасная получилась у них семья. Жили в разных комнатах и быт вели каждый свой. Писали друг другу письма — десятки, сотни писем, проникнутых огромной нежностью. «Солнце ты мое теплое, весенний день Панькиной жизни», — сколько искреннего восхищения и тепла в каждом слове! Екатерина Александровна старалась подкармливать своего Паню, а тот искренне огорчался, что не может помогать ей финансово. К нему попрежнему приходили восторженные ученики, впитывали его философию, черпали драгоценные наработки, — он тратил на них время и силы, и не брал за свои уроки ни копейки. А вот отношение власти к художнику резко изменилось. На Западе его картины стоили бы миллионы, а здесь, на родине, Филонов впал в немилость. С «филоновщиной» боролись и обличали, запретили персональную выставку Филонова, запретили преподавать в академии, но и Павел Николаевич, и его верная жена были уверены, что непонимание — временное. И за авангардными картинами, за аналитическим искусством — будущее. «Все мои работы, являющиеся моей собственностью, я берег годами, отклоняя многие предложения о продаже их. С тем, чтобы сделать из них и из работ моих учеников отдельный музей или особый отдел в Русском музее, если партия и правительство сделают мне честь — примут их», — писал Филонов.

«Если бы он говорил не красками, пока еще, к сожалению, недоступными массам, а человеческим языком, он явился бы тем рычагом, который перевернул бы весь мир — и наступил бы рай земной: его работой руководили страдание за человечество и желание ему добра. Как никто не может определить, что происходит в настоящее время, так никто не может проникнуть в творения Павла Николаевича, потому что они носят в себе величие и тайну данного момента. Это дело будущего; его расшифрует история», — записывала в своих дневниках Серебрякова.

Чем он, настоящий художник, мог отплатить своей Катеньке за преданность и терпение? Как-то расписал ей шарф — такого больше ни у кого не могло быть. Шарф переливался всеми цветами, напоминал то перекаты морских волн, то поле цветущих маков, то россыпь спелой вишни. «Доченька» радовалась как ребенок.

А еще он подарил ей три года жизни. 1938 год выдался для Серебряковой очень тяжелым. Были арестованы и вскоре расстреляны двое ее сыновей: средний Анатолий и Петр. В том же году, в ноябре, — ей было семьдесят шесть лет — Серебрякову вызвали на допрос. О чем говорили и что спрашивали, осталось неизвестным. На следующий день Екатерина Александровна упала прямо на улице. Инсульт. Скорая отвезла ее в больницу, а уже на следующий день верный Паня забрал свою Дочу домой и выхаживал, кормил с ложечки, учил заново говорить, ходить. Спал рядом, сидя на стуле, прислушивался к каждому ее движению, стерег дыхание. И как радовался, когда смог «организовать» самый настоящий Новый год с великолепным застольем! «Дочка очень хотела, чтобы мы вместе встречали Новый год: дочка, я, невестка, ее племянница Рая. И дала мне понять, что ассигнует на это дело, с радости, что выздоравливает, 30 рублей. Она написала список питья и кушанья, которые просила купить для встречи Нового года: пиво, капуста, мармелад и еще какую-то четвертую покупку — не мог разобрать. Рая по моей просьбе купила 2 бутылки пива, грамм 300–200 мармеладу — это наша встреча Нового года. Маня принесла мне чаю, сахару, жареную утку с картошкой!…» — записал в дневнике Павел Николаевич 31 декабря 1938 года.

Жить им оставалось совсем недолго: когда была возможность эвакуироваться, Филонов с женой отказались от спасения, не могли и не хотели оставить без присмотра самое дорогое, что у них было, картины. Художник умер от голода в блокадном Ленинграде 3 декабря 1941 года. А его верная жена, Екатерина Александровна, пережила своего Паню всего на несколько месяцев. Сестра художника, Евдокия Николаевна, смогла сохранить и передать в Русский музей полотна Филонова. Сберегла она и его дневники и письма, — бесценный архив, свидетельства не только великой и страшной эпохи, но и удивительной, светлой любовью.



.
Автопортрет

 

Курт Ард-художник самоучка.

Родился в Копенгагене в 1925 году.Художник-иллюстратор печатался в 50-70 годах в датских,шведских.американских и немецких журналах.
В 1950 переехал в Калифорнию,а позднее в Нью-Йорк,где иллюстрировал как книги,так и периодические журналы.
Картины его всегда с ноткой юмора и какие-то добрые.
Умер в 1972 году в Испании.

Спойлер

 

Спойлер: Продолжение