Арт-галерея

Жизнь коротка, искусство вечно. (Гиппократ)

Здесь можно поговорить о любимых художниках, скульпторах, графиках и мастерах прикладного искусства.
А также о выставках, музеях, галереях.
И вообще обо всем, связанном с изобразительным искусством.

 

Спасибо, но меня ИО директора поставили до Нового года, мотаюсь по городам, не до игры. И вообще, спасибо, но я остаюсь при своём мнении, что тихоходам там нечего делать.

 

Борис Кустодиев «Осень над городом», 1915 год

Художник Борис Кустодиев очень любил воплощать на своих полотнах осеннее время года. Мастер необыкновенно ярко и реалистично передавал сочную желтизну листвы, спокойствие и тишину уездных городов, лёгкость и прозрачность осеннего воздуха.

На этом полотне живописец изобразил сидящего в беседке молодого человека, который задумчиво любуется окружающей природой. В качестве фона мастер выбрал раскинувшийся у подножья холма город, окутанный синеватым туманом.

Примечательно, что это не единственная картина Кустодиева с подобным видом — у него есть ещё как минимум два похожи полотна, одно из которых носит название «Вид с Воробьевых гор». Поэтому можно смело предположить, что художник изобразил здесь именно эту знаменитую московскую возвышенность.

Картину «Осень над городом» Кустодиев писал не просто так — она является одним из вариантов эскиза декорации ко второму действию пьесы Ильи Дмитриевича Сургучёва «Осенние скрипки».

Пьеса повествует о женщине бальзаковского возраста Варваре Васильевне, которая крутит роман с молодым человеком Виктором Ивановичем Барановским. Однажды ей попадает в руки письмо, разоблачающее эту связь, и дама уговаривает любовника жениться на приёмной дочери немолодых супругов Верочке. Сначала герой наотрез отказывается, но под напором любовницы всё же соглашается.

В итоге жизнь Варвары Васильевны превращается в пытку, а осознание того, что Барановский по-настоящему влюбился в Верочку, становится точкой невозврата, и в душе немолодой женщины замолкают последние осенние скрипки.

На своей картине «Осень над городом» Кустодиев как раз изобразил задумчивого Барановского, который находится в плену своих душевных метаний.

В настоящее время полотно находится в частном собрании и недоступно широкому кругу зрителей.

Спойлер: Источник

https://m.vk.com/wall-177454918_124262

 

Сокровища мировой живописи.

"Чёрный брауншвейгец". Джон Эверетт Милле.1860 год.
Художественная галерея леди Левер ,Ливерпуль.

Спойлер

«Черный брауншвейгец» (второе название «Чёрный брауншвейгский гусар») – одна из самых известных картин английского художника-прерафаэлита Джона Эверета Милле. На ней изображён эпизод времен наполеоновских войн: гусарский офицер из Брауншвейгского корпуса, прощающийся с любимой на балу у герцогини Ричмонд и отправляющийся на верную смерть в битве при Катр-Бра. Это кровавое сражение прославила Брауншвейгский черный корпус, но почти все солдаты и офицеры погибли в том бою.


На картине Милле мы видим как раз сцену прощания офицера Черного корпуса со своей юной возлюбленной, одетой в бальное платье. Он уже готов отправляться в бой, на нем полное обмундирование, в руке – головной убор с серебряной нашивкой в виде мертвой головы (форменный головной убор брауншвейгцев). Но девушка не готова отпустить своего возлюбленного, она словно чувствует, что это их последняя встреча – известно, что мало кто из брауншвейгцев выжил в той битве. И как символ крови, которая прольется в скором будущем, алеет красный бант на ее рукаве. А офицер уже открывает дверь, и в последней попытке удержать его девушка приникает к своему возлюбленному, демонстрируя свою нежность и преданность.

Есть на картине еще один персонаж, который так же находится около уходящего брауншвейгца – это маленькая собачка, стоящая на задних лапах – она тоже просит его не уходить, и так же как у девушки, на ней повязан красный бант. Вообще, красный цвет был символом борьбы против захватчика во многих воинских частях, но здесь – это, скорее, символ будущей потери, символ разлуки навсегда.



Несмотря на всю простоту композиции, есть в картине Милле все же один момент, который вызывает довольно много споров у искусствоведов. Он касается портрета Наполеона кисти Давида на стене. Означал ли этот портрет то, что девушка была тайной поклонницей захватчика, против которого шел сейчас сражаться ее возлюбленный? Как же велика тогда ее печаль в этот момент! Или же портрет висит здесь как символ ненависти к врагу и страстного желания его повергнуть? Но враг пока силен и сдаваться не собирается – ведь не случайно Милле выбрал именно этот портрет – Наполеон, гордо восседающий верхом на коне на перевале Сен-Бернар. Ясно одно: этот портрет на стене – далеко не случайная деталь, ведь прерафаэлиты никогда ничего не помещали на свои картины случайно.
Для картины «Черный брауншвейгец» Милле позировала очень известная девушка – Кейт Перуджини, художница, дочь знаменитого английского писателя Чарльза Диккенса. Что же касается молодого человека, то его имя не сохранилось, есть сведения, что это лейб-гусар, жизнь которого прервалась вскоре после того, как картина была закончена. И невольно возникает мысль о судьбе человека: ведь герой, для которого позировал этот молодой человек, офицер Брауншвейгского корпуса тоже, скорее всего, погиб вскоре после сцены, запечатленной художником.

 

Сегодня Всемирный день домашних животных.
Одна из картин посвящена прекрасным котикам!

Спойлер

Вы котиков любите? Но, наверное, все-таки не так сильно, как их любила Кейт Бёрдселл Джонсон (1833—1893). Дама весьма состоятельная, даже можно сказать - миллионерша, в своём летнем имении "Буэна-Виста" возле Сономы, в Калифорнии, говорят, держала 350 котов и кошек, пятьдесят из которых были породистыми персидскими и ангорскими.

В 1891 году, не задолго до своей смерти, она сделала заказ австрийскому художнику Карлу Калеру написать групповой портрет ее любимцев. Почти три года потратил художник на создание картины. Закончил в год смерти миллионерши, в 1893 году.

Вот что у него получилось.


Карл Калер. Любовники моей жены, 1891-93

На картине изображены 42 кошки. Картина настолько большая (ее размер - её размер 180 × 260 см, а общий вес — 103 килограмма), что кошки на ней изображены в масштабе больше натурального. Это самая большая в мире картина с изображением кошек.

До этого Карл Калер, художник талантливый, никогда не рисовал кошек. Чтобы картина получилась достоверной и реалистичной, он во время работы над картиной жил в доме миллионерши, наблюдал за кошками, изучал их повадки и поведение. За свою работу он получил 5 тысяч долларов.

Картина получила название "Любовники моей жены". Именно так называл кошек супруг Кейт Бёрдселл Джонсон. Сам он эту картину не увидел. Он умер в 1889 году ещё до начала создания картины.

В центре картины изображен любимец хозяйки кот по кличке Султан, которого миллионерша якобы купила в Париже за 5 тысяч долларов. А вокруг него, значит, "гарем". Хотя я затрудняюсь сказать, кто есть кошка, а кто есть кот. Да это и неважно - они все хороши.

В своем завещании Джонсон, по одним данным, выделила полмиллиона долларов на последующий уход за ее кошками. Другие источники утверждают, что кошки получили всего 20 тысяч долларов. Поскольку у американки не было детей, ее имущество было распродано на аукционе.

Картину «Любовники моей жены» приобрел владелец картинной галереи в Сан-Франциско. Полотно хранилось у него 10 лет, однако в 1906 году его салон был уничтожен в результате масштабного землетрясения. Само полотно не пострадало.

Затем картина несколько раз меняла своих хозяев. В 2015 году она была продана на аукционе "Сотбис" за 826 тысяч долларов. Коллекционер, купивший картину, пожелал сохранить анонимноcть.

 

15 необыкновенных скульптур в мире...

Спойлер

 

Спойлер: История одного поцелуя

«Поцелуй» – не единственная скульптура, на создание которой великого Огюста Родена вдохновила страсть к его ученице, скульптору Камилле Клодель. В течение 15 лет девушка была для него возлюбленной, натурщицей, музой, генератором идей и соавтором работ. После их расставания Камилла лишилась рассудка, а Роден не создал ни одного выдающегося произведения.







Камилла Клодель | Фото: rodin-web.org и pierres-info.fr


Камиллу Клодель нельзя назвать заурядной девушкой: еще в юности проявился ее талант ваяния, в 17 лет она поступила в Академию Коларосси, где ее наставником стал знаменитый скульптор Альфред Буше. А вскоре Камилла начала брать уроки у Огюста Родена.






Слева – Огюст Роден. Справа – Камилла Клодель в мастерской | Фото: f-picture.net и rodin-web.org


Между ними вспыхнула страсть, которая на долгие годы стала источником вдохновения для великого скульптора. Свою возлюбленную он описывал так: «Прекрасный лоб над дивными глазами глубокого густо-синего цвета, как у красавиц на портретах кисти Боттичелли, большой, чувственный рот, густая копна золотисто-каштановых волос, спадающих на плечи. Вид, впечатляющий дерзостью, превосходством и... детской веселостью».






Камилла Клодель | Фото: cablook.com


Первое время Камилла Клодель шлифовала готовые скульптуры своего наставника, но со временем она начала создавать и собственные. Роден даже доверял ей заканчивать свои работы. Она стала для скульптора не только любимой моделью и музой, но и генератором идей, автором многих замыслов.






Огюст Роден. Данаида, 1885 – скульптура, посвященная Камилле Клодель | Фото: 365mag.ru







Слева – Камилла Клодель. Вечный кумир, 1888. Справа – Огюст Роден. Вечный идол, 1889 | Фото: public.fotki.com и kleinburd.ru


Р.-М. Пари – биограф Камиллы Клодель, так описывает период их совместного творчества: «Все исследователи творчества Родена знают: новый стиль открылся у него в 80-е годы – именно тогда, когда в жизни его появилась эта девушка. Ей не исполнилось еще 20 лет – возраст гения, по Рембо. Родену было за 40, он успел утратить связь со своими живыми истоками. Сам по себе он продолжал бы двигаться в сторону Микеланджело, пытаясь осовременить его и тем самым огрубляя. А тут внезапно в нем зарождается нечто новое, что после разлуки с Камиллой словно уходит в песок. Такая взаимосвязь между страстью и творчеством у двух любовников одной профессии, работающих вместе, в одной мастерской и над одним сюжетом, подводит нас к выводу: без малого 15 лет Камилла была музой и правой рукой Родена».






Слева – Огюст Роден. Справа – Камилла Клодель | Фото: rodin-web.org и peoples.ru


Ученик Родена Э. А. Бурдель сказал о «Поцелуе»: «Не было и не будет мастера, способного вложить в глину, бронзу и мрамор порыв плоти более проникновенно и напряженно, чем это сделал Роден». Р. М. Рильке писал: «Чувствуешь, как волны из всех соприкасающихся поверхностей пронизывают тела, трепет красоты, чаяние, мощь. Потому и кажется, будто видишь блаженство этого поцелуя в каждой точке этих тел; он как восходящее солнце с его вездесущим светом». Скульптура вышла настолько чувственной, что многие сочли ее неприличной для демонстрации широкой аудитории.






Огюст Роден. Поцелуй. Фрагмент | Фото: rodin-web.org


Их счастье не было безоблачным: Роден так и не оставил свою гражданскую жену, с которой прожил более 20 лет, ради Камиллы, а она не хотела довольствоваться ролью любовницы. 15-летняя история сотворчества и страсти закончилась катастрофой: любовь Камиллы переросла в ненависть. По несколько недель она не выходила из квартиры, погруженная в глубокую депрессию, лепила фигуры и тут же их разбивала – весь пол был устлан осколками. Ее рассудок не выдержал этого испытания: в 1913 г. женщину поместили в психиатрическую клинику, где она провела оставшиеся 30 лет своей жизни.






Камилла Клодель. Слева – *Улетающий бог*, 1890-е гг. Справа –*Бронзовый вальс*, 1893 | Фото: public.fotki.com и art-in-focus.ru







Камилла Клодель. *Эпоха зрелости*, 1900 – аллегория ее разрыва с Роденом. Фигура Умоляющей – автопортрет Камиллы


Критики писали, что после расставания с Камиллой талант Родена угас, и он больше так и не создал ничего значительного. Сложно судить о масштабах таланта гения, но все его самые знаменитые работы действительно появились в то время, когда их с Камиллой любовь и вдохновение были взаимными. В 1880-1890-е гг. были созданы «Ева», «Мыслитель», «Вечный идол», «Вечная весна» и «Поцелуй», признанные вершиной творчества Огюста Родена.






Камилла Клодель

 

Увидела дореволюционную открытку, не могла не принести.

Спойлер: В.Маковский. Друзья-приятели

Обратная сторона

 

Последняя любовь Амадео Модильяни

Спойлер

Сегодня его называют гениальным портретистом, а при жизни он едва сводил концы с концами, за бесценок продавая свои холсты. Единственную его выставку полиция запретила за «развратные картинки». Пьяница, грубиян, дебошир, красавец. Сотни женщин бросались в его объятия, и он отвечал им взаимностью. Но по-настоящему любил лишь трех. С одной скандалил на глазах у всего Монмартра. Другая покончила с собой на следующий день после его похорон. А первой его любовью была Анна Ахматова.

Oн появился на свет 12 июля 1884 года.

Амедео (Иедидия) Модильяни родился в семье евреев-сефардов - Фламинио Модильяни и Евгении Гарсен в итальянском городе Ливорно. Родился в недобрый час: к тому времени дела его отца пришли в упадок, и семья оказалась на грани банкротства. Торговля дровами и углем доходов не приносила, все остальные попытки заработать оканчивались неудачей, и Модильяни-старший увяз в долгах. В день, когда на свет появился Амедео, в дом к Модильяни пришли чиновники — конфисковывать за долги имущество. Домочадцы засуетились и стали сваливать на кровать, где она лежала в предродовых муках, ценности, которые еще не успели продать или заложить. Дело в том, что итальянский закон запрещает отбирать что-либо у роженицы. Так Евгения и лежала среди серебряных блюд, корчась в схватках, пока судебные приставы выносили из дома мебель...

Амедео обожал Италию и хотел жить только здесь. Однако настоящее искусство обитало в Париже — и он отправляется в столицу Франции, поселяется на Монмартре, в маленьком сарае, со всех сторон заросшем кустарником. Парижская богемная жизнь с радостью подхватывает новую очаровательную игрушку: 22-летний художник невероятно хорош собой, талантлив, энергичен. И при этом очень несчастлив. «Живопись очевидно сильнее моих желаний, — пишет он. — Она требует, чтобы я жил в Париже. Атмосфера Парижа меня вдохновляет. В Париже я несчастлив, но уж что верно, то верно — работать я могу только здесь».

«Крылатый спутник жалок на земле», — часто говорил он о себе, цитируя Бодлера. А представлялся обычно так: «Здравствуйте, я Модильяни, еврей». Не так много времени прошло с нашумевшего дела Дрейфуса, в столице по-прежнему в любую минуту можно было нарваться на антисемитские выпады. Модильяни — словно в пику мучительному для него Парижу — очень гордился своими еврейскими корнями и всегда при знакомстве упоминал о своем происхождении. Ввязывался в драку каждый раз, когда кто-то позволял себе обидную ремарку в адрес евреев. Одна из его самых знаменитых работ — портрет «Еврейка» — стала своего рода зеркалом, в котором отразилось состояние души евреев в современной ему Франции. Благородные строгие черты, настороженный, неприступный взгляд. Модильяни пишет и свое собственное еврейство в образе изысканной дамы, которой ни на минуту не приходится расслабиться от предчувствия беды.

Нет ничего удивительного в том, что его заворожил благородный облик юной русской поэтессы Анны Ахматовой.

Они познакомились в 1910 году в Париже и сразу увлеклись друг другом. «У него была голова Антиноя и глаза с золотыми искрами, — вспоминала Ахматова. — Он был совершенно не похож ни на кого на свете». Ему же она напоминала античных цариц.

«Вы во мне как наваждение», — признавался Модильяни Ахматовой. И писал ее портреты, которые тут же отправлял ей в Россию. Их роман, впрочем, был недолгим. Из шестнадцати портретов после революции сохранился лишь один — он всю жизнь висел над кроватью Анны Андреевны. Не знавший русского языка Модильяни не мог оценить ее поэзию, но, кажется, обладал интуицией своей матери: в портрете юной Анны он выразил все ее будущее величие и весь трагизм ее страшной судьбы. Впрочем, и Ахматова увидела в нем печать горечи. «Все божественное в Модильяни только искрилось сквозь какой-то мрак, — писала она. — Со мной он не говорил ни о чем земном. Он был учтив, но это было не следствием домашнего воспитания, а высоты его духа».





Портрет Анны Ахматовой,написанный в 1911 году и хранившийся у неё.






Модильяни называли «бездомным бродягой»: денег у него не водилось, картины свои продавал за бесценок, последнюю копейку готов был отдать любому нуждающемуся. При этом он пристрастился к выпивке и частенько бродил по Парижу вдрызг пьяный, порой даже нагишом. С обнажением у Модильяни оказались особенно непростые отношения. У него было невероятное количество натурщиц. Он писал их с упоением, но картины расходились плохо, на выставки их не брали. Модильяни, хорошо зная цену своим работам, не мог при этом выручить за них больше, чем требовалось на выпивку. Он много дрался, в основном из-за дам. На Монмартре то тут, то там рассказывали анекдоты об очередной потасовке с его участием. Он был эксцентричным и неприкаянным. И такой же была его вторая большая любовь — Беатрис Хастингс, английская аристократка и поэтесса.





Беатрис разделяла все порочные пристрастия Модильяни. Они страстно любили друг друга, и кажется, не менее страстно ненавидели. Нередко их ссоры перерастали в драки, причем свидетелем этих сцен порой становился весь Монмартр. Модильяни яростно ревновал подругу, если замечал вдруг,

что она уж очень увлеченно болтала с кем-нибудь из приятелей. Мог при всех оттаскать за волосы. И все-таки именно Беатрис стала его истинной музой. Но через два года Муза сбежала — судя по всему, с новым возлюбленным. Модильяни очень горевал, но продолжал работать. В 1917 году открылась его первая и последняя прижизненная выставка, составленная сплошь из портретов обнаженных женщин.

Полиция выставку запретила. И снова в его жизнь пришла любовь. На этот раз к 19-летней натурщице Жанне Эбютерн. Хрупкая девушка из католической семьи безумно понравилась Модильяни. Она не изводила его скандалами и не давала поводов для ревности. Художник и его модель стали жить вместе, через год у них родилась дочь. Родители Жанны не хотели видеть ее замужем за евреем. Он злился, грубил, дебоширил, метался по студии в поисках вдохновения. Свадьбу они так и не сыграли...













С детства Модильяни был слаб здоровьем, постоянные скитания, неприкаянность и алкоголь лишь усугубили его состояние. Художник заболел туберкулезным менингитом.

Поняв, что надежды на выздоровление нет, он предложил Жанне умереть вместе с ним: «Чтобы я мог быть с моей любимой моделью в раю и вместе с ней наслаждаться вечным блаженством».

Она в ответ только тихо плакала. А вот на похоронах плакать не стала: стояла черная, как сама смерть, в отчаянии теребя платок. Жанна была беременна их вторым ребенком. На следующий день после похорон она выбросилась из окна пятого этажа — так и не смогла пережить смерть своего одинокого гения. «Верная спутница Амедео Модильяни, не захотевшая пережить разлуку с ним», — гласит надпись на ее надгробии.

Спустя годы после ее смерти Жанну перезахоронили рядом с Амедео на кладбища Пьер-Лашез. Так девочка из католической семьи все-таки стала женой еврея Модильяни.

А картины, которые он продавал за копейки, чтобы свести концы с концами при жизни, превратились в бесценные шедевры, за которые сражаются сегодня музеи всего мира. «Модильяни, еврей», — представлялся художник при жизни. «Модильяни — гений», — стали говорить о нем после смерти.



.


Могила художника и Жанны Эбютерн

 

Люблю картины, на которых изображены люди труда, любого, - рабочих, колхозников, учёных, врачей - все профессии не перечесть.

Спойлер: Фролов Серафим Леонидович (1924-1970) «Советские геологи» 1951

Спойлер: Чувахин Николай Николаевич (1947) «Монтажник Н. Бабанин» 1978

Спойлер: Павлов Николай Афанасьевич (1941) «Старые раны» 1987

Спойлер: Горохов Игорь Иванович (1931-2008) «Дела колхозные» 1960

Спойлер: Шильников Сергей Николаевич (1922-2019) «Студенты» 1952

Спойлер: Рутштейн Владимир Абрамович (1922-1980-е) «Регулировщица» 1950-е

Спойлер: Дрючин Николай Иванович (1918-1983) «Сеятель» 1963

Спойлер: №19.507 Филонов Иван Никифорович (1917–1983) «Ликбез» 1973

Спойлер: Гринштейн Исаак Хаскелевич (1909–1966) «Моцарт есть высшая, кульминационная точка…» 1955

 

Портрет жены художника Огюста Ренуара.
У неё сегодня День рождения.23 мая 1859 год.

Спойлер

Друзья Ренуара, да и сам художник не могли себе представить, что такой закоренелый холостяк, как он, решится на женитьбу: Ренуар не создан для брака. Он сочетается узами брака со всеми женщинами, которых пишет, через прикосновение своей кисти, – говорила его знаменитая модель актриса Жанна Самари. Но всё изменилось после его знакомства в кафе с очаровательной рыжеволосой Алиной Шариго, ставшей для него идеалом женской красоты



На берегу моря, 1883 год. Холст, масло. Метрополитен-музей

Немного полноватая, но с тонкой талией, длинными волосами, чуть вздернутым носиком и чувсвенными губками, девушка покорила Ренуара. Он предложил ей стать натурщицей и Алина после недолгих раздумий согласилась. Она появилась на полотнах художника, а затем стала и его возлюбленной. Свои отношения они не афишировали, но вскоре Алина стала хозяйкой в доме Ренуара.


Несколько картин Огюста Ренуара с Алиной Шариго


Пьер-Огюст Ренуар Завтрак гребцов, 1880 по 1881 годы. Холст, масло. Коллекция Филлипса
Ренуар не только писал портреты Шариго, но она часто появлялась на его жанровых полотнах.
Здесь Алина слева на переднем плане играет с собачкой


Белокурая купальщица, 1881 год. Холст, масло. Пинакотека Аньелли, Турин


Парочка на лодке (Алин Шариго и Ренуар), 1881 год. Бумага, пастель. Музей изящных искусств Бостона

Жили Алина и Огюст счастливо. Она не только была музой Ренуара, создавала уют, мир и покой в доме, лечила и выхаживала его (а болел Ренуар надо сказать часто и подолгу), но и ограждала художника от домашних забот и бытовых мелочей, ненужных встреч; закрывала глаза не мелкие интрижки, случавшиеся у него порой с натурщицами, помогала переживать творческие неудачи.



Танец в деревне (Алин Шариго и Поль Лот), 1883 год. Холст, масло. Музей Орсе, Париж


В саду, 1885 год. Холст, масло. Эрмитаж


Дитя у груди. Материнство. (Алин и Пьер), 1886 год. Холст, масло. Музей изящных искусств (Санкт-Петербург, Флорида)

В 1885 году Алина родила первого сына Пьера, а узаконили они свои отношения спустя пять лет.
В браке у них родилось ещё два сына: Жан и Клод


Портрет мадам Ренуар, около 1885 года. Холст, масло. Филадельфийский художественный музей
Этот портрет Ренуар хранил до самой смерти


Иадам Ренур и Пьер, 1890 год. Холст, масло. Частная коллекция

 

Спойлер: Люболытные факты о художнике Марке Шагале

Рисовал голым, не имел друзей в детстве и другие любопытные факты о еврейском художнике Марке Шагале




Известнейший еврейский художник Марк Шагал был одним из первых европейских модернистов и одним из главных авангардистов XX века. Его творчество воспринимают не все, считая слишком непонятным. Но если вникнуть в посыл художника, то открывается невероятная глубина его творений. Он всегда следовал своему сердцу, не обращая внимания на тенденции. Благодаря этому у Шагала и появился неповторимый стиль, который принес ему славу и признание при жизни, что миновало многих известных мастеров. Как Шагал добился успеха? Что его вдохновляло? И почему жена не разрешала ему летать на самолетах? Обо всем этом далее в обзоре.


В детстве не имел друзей
Настоящее имя русского и французского художника еврейского происхождения – Шагал Моисей Хацкелевич. Родился художник-авангардист в 1887 году в поселке Лиозно Царской России (в настоящее время это территория Белоруссии). По приказу Екатерины Великой те земли были отведены для еврейских поселений. Отец художника работал приказчиком лавки, а мать занималась хозяйством и воспитанием детей.




Марк Шагал рос в многодетной еврейской семье



В 5 лет Моисей начал обучаться в начальной школе, а в 13 – продолжил обучение в Витебском городском училище. Мальчик с детства не любил учиться, да и с одноклассниками отношения у него не складывались. Моисей страдал сильным заиканием, поэтому старался избегать сверстников, чтобы не становиться предметом их насмешек. Из-за этого у Шагала совсем не было друзей.

Родители были против его увлечения живописью
И если учиться Моисей не любил, то вот рисовать он обожал. С малых лет он изображал на бумаге все, что видел. Когда один из его одноклассников выразил свое восхищение мастерством и назвал его «настоящим художником», Шагал впервые понял, что нашел свое призвание. Но вот родители не поощряли такое увлечение сына, так как им хотелось, чтобы их старший ребенок занялся чем-то серьезным и мог обеспечить себе и своей семье безбедную жизнь. Например, пошел работать приказчиком или бухгалтером. Родители всячески пытались зарубить на корню стремления их ребенка стать художником. Они даже использовали вместо салфеток рисунки их сына.




Родители считали занятия живописью баловством, но Шагал не отказывался от своей мечты



Но Моисей не сдавался и начал учиться в витебской художественной школе. Правда нерадивому ученику даже обучение любимому делу давалось нелегко. Безусловно, он оказался талантливым живописцем, но вот повлиять на художественное восприятие и образование Шагала витебским учителям не удавалось. Уже в 15 лет юноша был уверен в своей одаренности, поэтому не слушал никаких замечаний от своих учителей. Он считал, что учить его смог бы только Рембрандт или другие великие художники такого же уровня, но в Витебске таких не было.

Уехал в Петербург с 27 рублями
Отучившись год в витебской художественной школе, юноша решил отправиться в северную столицу. Шагал думал, что только там он сможет найти применение своему таланту, а также улучшить его за время обучения в академии художеств. Он попросил денег у отца, но тот не хотел отпускать сына. После череды ссор и споров отец швырнул на пол 27 рублей, сказав, что это единственные деньги, которые он ему даст. Также отец добавил, чтобы сын к нему больше не обращался за помощью, так как высылать он ему ничего не будет.




Шагал выработал свой собственный стиль в живописи


Довольный и гордый юноша отправился вместе с приятелем в Петербург, но впереди все было не так гладко, как задумал Моисей. Амбициозного и самоуверенного художника ожидал провал на первом же экзамене. К слову, этот экзамен стал последним в жизни Шагала официальным испытанием. Не поступив в заветное учебное заведение, Моисей продолжил обучение в Рисовальной школе Общества поощрения художеств.

Поиски себя в искусстве неожиданно привели Шагала к тому, что он вернулся домой. После этого художник впал в депрессию. Неизвестно к чему бы это привело, если бы он не познакомился с любовью всей его жизни – Беллой. Эта встреча не только вернула его к жизни, но и подарила вдохновение. Вскоре Шагал вновь вернулся покорять северную столицу.

Учился в Париже

Благодаря рекомендациям Шагала приняли без всяких экзаменов в престижную школу рисования. Его учителем стал живописец Лев Бакст , за личные средства которого, кстати, юноша и учился. Окончив учебу, талантливый художник начал мечтать о Париже. К слову, именно Бакст убедил Шагала, что ему нужно уезжать за границу и там продолжить обучение, так как среди российских ценителей он не найдет поклонников.




Тема Парижа была близка художнику


Весной 1911 года благодаря стипендии, полученной от одного депутата I Государственной думы, юноша отправился в Париж на учебу. Несмотря на стипендию, денег у бедного художника было ничтожно мало. У юноши были одни брюки и рубашка, поэтому он рисовал картины голым, чтобы не испачкать одежду. Питался он тоже очень скромно, экономя каждую копейку. Но это не мешало ему посещать Лувр, чтобы полюбоваться и вдохновиться великолепными полотнами Рембрандта, Мане и других великих мастеров. Кстати, именно во французской столице художник начал подписывать свои работы как Марк Шагал.

Парящие герои на полотнах
Шагал всегда оставался верным своей национальной самобытности вне зависимости от места проживания. Еврейский художник создал собственный стиль в живописи, где отражал свою жизнь, чувства и эмоции. В своих работах Марк Захарович в основном использовал яркие цвета и наполнял свои творения символами. Ценители живописи считают, что именно в умелом владении цветом и заключается самобытность и гениальность Шагала.

Не зря рекомендуется смотреть только подлинные полотна этого художника, так как репродукции не могут передать всю палитру его живописи. Именно поэтому коллекционеры покупают на аукционах оригинальные полотна Шагала за многомиллионные суммы. Любопытно, что Шагал является самым популярным художником у похитителей картин после Пабло Пикассо и Ника Лоуренса.




Художник часто изображал красного петуха в своих картинах



Нередкими мотивами в творчестве Шагала были красные цвета, символизирующие страх, а также образ петуха – олицетворение огня. Оказалось, что в день, когда родился Марк, в их поселке вспыхнул сильный пожар, охвативший и дом его родителей. За несколько секунд огонь достиг кровати, где новорожденный лежал с матерью. К счастью, им удалось спастись. На протяжении всего своего творчества с помощью ярко-алого цвета и изображения красного петуха художник как бы возвращался к драматическому моменту своего рождения, проживая его вновь.

Также Шагал нередко прибегал к образам других животных, которым придавал человеческие черты. Но большая часть его творчества была посвящена теме любви. Изображения влюбленных, в буквальном смысле парящих от любви, стали одними из самых главных мотивов в творчестве Марка Захаровича. Он считал, что в нашей жизни, как и на полотне, существует лишь одна краска, придающая смысл всему, – любовь.




Картина Марка Шагала «Над городом» (1918)


Например, на известном полотне «Над городом» в воздухе парят двое влюбленных людей. Полетом автор показал чувство влюбленности, которое окрыляет героев картины и превозносит их над повседневной рутиной. Последнее — представлено на полотне в виде городского пейзажа, где изображены коза и мужчина, справляющий нужду. Как видно, в своих работах художник любил переплетать реальную жизнь и фантазии, обыденное и высокое. Пожалуй, именно из-за этого у его картин есть свой особый шарм.




Помимо написания полотен, Шагал рисовал иллюстрации к книгам, писал стихи и мемуары, а с 60-х годов перешел к монументальным формам живописи


К слову, Шагал был разносторонней личностью. Помимо написания полотен, он рисовал книжные иллюстрации, писал стихи, создавал декорации для театров и прочее. Витражами Шагала украшены многие соборы, синагоги и костелы Израиля, Европы и США.

Сбывшиеся предсказания цыганки
Говорят, что однажды цыганка нагадала художнику, что он будет любить одну необыкновенную женщину и двух обыкновенных, а смерть найдет его в полете. Собственно, так и вышло. Первая супруга Шагала, Белла Розенфельд, стала музой и самой большой его любовью. Именно ее образ заключен в нескольких тысячах его работ и набросков. По словам художника, уже в первый миг их встречи он понял, что Белла станет его супругой. Ему казалось, что они знакомы уже давно и знают друг друга, как никто другой.




Марк Шагал с Беллой Розенфельд и дочерью



К сожалению, в 1944 году Беллы не стало. Шагал сильно горевал и практически год не брал в руки кисть. Их дочь решила найти отцу помощницу, Ей стала молодая и красивая Вирджиния Хаггард. Она чем-то напоминала внешне покойную супругу художника. Вирджиния родила Шагалу сына, но сбежала от художника с другим мужчиной в 1950 году вместе с ребенком.




Марк Шагал с Вирджинией Хаггард и сыном


Второй женой художника стала Валентина Бродская. С ней Марк Захарович прожил более 30 лет до конца своих дней. Как видно, предсказание цыганки о трех женщинах сбылось. Боясь, что сбудется и предсказание о смерти, Валентина Григорьевна всякий раз просила супруга не лететь самолетом. Пару раз она даже не пустила его в аэропорт. В итоге сердце Шагала остановилось 28 марта 1985 года, когда он ехал в лифте. Так что художник умер в полете, как ему и нагадала цыганка много лет назад.




Валентина Бродская боялась, что вторая часть предсказания цыганки сбудется, поэтому не хотела, чтобы супруг летал на самолетах

 

Художник Константин Худяков - создатель цифровых художественных картин

Иисус

Спойлер

Сперва художник сделал более 150 снимков лица каждого из 250 -ти приглашённых человек.
Потом из нескольких тысяч маленьких фрагментов этих снимков был создан образ Иисуса.

 

Прожил 99 лет, любил всех натурщиц и умер от чумы. Великий колорист Тициан и его чудесные картины.

Спойлер

Тициан Вечеллио (1477–1576) — итальянский живописец, один из ведущих художников эпохи Возрождения. Тициан умел великолепно работать с цветом, он подчёркивал эмоции персонажей на его полотнах, создавал нужное настроение, подчас достаточно мрачное и драматическое. Портреты Тициана отличались психологической глубиной и достоверностью, художник изображал не только внешность людей, но и их переживания, чувства и эмоции, пытался показать внутренний мир человека. Его картины навечно вошли в мировой фонд искусства, наряду с работами Рафаэля Санти, Микеланджело и Леонардо да Винчи. О жизни и творчестве Тициана мы и поговорим в этой статье.


Лукреция и Тарквиний
Родился Тициан в городе-крепости Пьеве ди Кадоре, который находится в итальянских Доломитовых Альпах — гористой местности с суровыми людьми и простыми нравами. Там жили кузнецы, ткачи и лесорубы и считалось, что заниматься нужно той работой, которая обеспечивает средства к существованию. Потому о живописи никто даже не помышлял — кому нужны картины в этом месте, у людей не было на них ни лишних денег ни желания их приобретать, а художества воспринимали как игрушку для богатых. Но однажды юный Тициан, вернувшись из церкви, нарисовал Деву Марию, в которой угадывались и черты его матери. Рисунок всем очень понравился и его мама настояла, чтобы Тициана отдали учиться в Венецию — вдруг из него толк выйдет и он станет известным художником.

Тициан, вместе со своим старшим братом Франческо стал учиться у Беллини Джентиле — очень уважаемого в то время художника, писавшим портреты богатых венецианцев и даже работавшим придворным живописцем у османского султана Мехмеда II. Однако Джентиле заявил Тициану, что тот не может рисовать, чем обидел самолюбивого юношу. Потому он ушёл от него к любимцу итальянской публики Джованни Беллини — тот был менее требовательным и мягче к своим ученикам, потому с удовольствием обучал Тициана, поскольку знал, что талантом тот не обделён, и может стать действительно выдающимся художником.


Тициан. Автопортрет.
На становление Тициана как художника большое влияние оказало и творчество Альбрехта Дюрера — он понял, чтобы быть известным и получать выгодные заказы нужно копировать свои картины при помощи гравюр. Всё просто — написанное полотно наверняка будет висеть у богатого заказчика-аристократа и его увидят лишь немногие, а вот гравюры разойдутся по всей Италии, сотни людей будут смотреть на них и узнают, что есть такой замечательный художник Тициан, у которого можно заказать картину. Художники в то время были чем-то типа ремесленников — по крайней мере, к большинству из них так относились богатые аристократы, потому и старались максимально продвигать свои услуги, всё же на первых порах, пока они не стали известными, рассчитывать на по-настоящему выгодный заказ было сложно.

У Тициана имелся заклятый друг — если можно так обозначить отношения между ним и художником Джорджоне. В своё время они работали вместе, но оказались слишком разными по характеру людьми. Джорджоне был харизматичным, любил музыку, посиделки с друзьями, выпивку и долгие разговоры за ней, был на хорошем счету у всех венецианских интеллектуалов, мог с удовольствием приударить за хорошенькой девицей — в общем, очень напоминал знаменитого испанского мачо и отличного художника Франсиско Гойя. Тициан был сдержанным, изысканно-вежливым, флегматичным — почти противоположность неистовому и любящему жизнь во всех её проявлениях Джорджоне.


Святой Себастьян
Но в 1510 году в Венеции разразилась чудовищная эпидемия чумы. Погибло свыше 40 тыс. человек, люди старались не выходить на улицу, Тициан в эти страшные дни работал в своей мастерской и тут пришла печальная весть — Джорджоне умер от чумы, а его дом и мастерскую собирались спалить дотла — обычный в то время способ борьбы с эпидемией. Но у него в доме находилось множество отличных картин, настоящих шедевров искусства. Тициан побежал туда и буквально из огня успел вынести несколько картин в том числе и «Спящую Венеру».


Джорджоне. Спящая Венера
Впоследствии его просили переписать некоторые пострадавшие работы Джорджоне, что сыграло с Тицианом злую шутку — некоторые считали, что картины, которые он написал, на самом деле принадлежали кисти Джорджоне.

Тициан был человеком медленным и основательным, делал всё не торопясь, в том числе и писал картины. Если работа не получалась, он откладывал её до лучших времён и очередного вдохновения. Однако заказчикам это не нравилось, они требовали свои портреты немедленно и не хотели долго ждать. Потому часто возникали скандалы, а Тициан получил у недругов репутацию тугодума.


Кающаяся Мария Магдалина
И так продолжалось всегда, все 70 лет, когда Тициан писал портреты и жанровые сцены. Ни знатность заказчика, ни его общественное положение, ни кары, которыми грозили нетерпеливые короли, папы римские и кардиналы не могли заставить Тициана работать быстрее. Зато когда они получали написанную картину, то гнев сразу сменился на милость. Известен случай, что когда Тициан писал для герцога Альфонсо д`Эсте картину «Вакханалия», тот постоянно бомбардировал Тициана гневными письмами с требованиями быстрее закончить работу, но когда наконец получил полотно, то был в полном восторге.


Вакханалия
Тициан обладал завидным здоровьем, да иначе бы он и не прожил столько лет в эпоху, когда долголетие считалось скорее исключением, нежели правилом. А ещё он любил женщин, и они отвечали ему взаимностью. Ходили слухи о его многочисленных романах с натурщицами, хотя они иногда выходили Тициану боком и были причиной скандалов. Например, ему позировала очень красивая девушка Виоланта, которая была дочерью художника Джакомо Пальмы Старшего. И ему очень не понравились отношения юной дочки, которую ещё нужно было выдать замуж, и престарелого Тициана, годящегося ей в отцы. Сама Виоланта была особой ветреной и легкомысленной и позировала многим художникам, а Тициан запечатлел её красоту в картине «Флора».


Флора
А когда Тициан был в гостях у родственников, то увидел там Чечилию Сольдано, прислуживающую за столом. Она была крепкая, работящая, отличалась здоровой деревенской красотой и совершенно не походила на венецианских красавиц, которые уже приелись Тициану. Его брат, заметив интерес художника к Чечилии, отправил девушку служанкой к Тициану — и тот приступил к ухаживаниям за ней. Но Чечилия была девушка традиционных взглядов, внимание художника ей льстило, однако она его стеснялась и о каких-либо отношениях даже не думала. Тициан зачитывал ей наизусть нескромные стихи поэтов Овидия и Катулла, немало смущающих девушку.


Любовь небесная и любовь земная
Наконец, она сдалась, и они стали любовниками, поскольку об официальной женитьбе не могло быть и речи — слишком разное общественное положение у Тициана и обычной деревенской служанки. Она родила Тициану двух сыновей, и лишь спустя 15 лет после знакомства он наконец женится на своей возлюбленной. Однако через пять лет Чечилия умерла, но успела осчастливить Тициана рождением дочери Лавинии. Её он впоследствии изобразит на картине «Девушка с корзиной фруктов».


Девушка с корзиной фруктов (Дочь художника Лавиния)
А сам Тициан проживёт ещё очень долго, будет писать великолепные картины, любить других женщин, а заодно получит славу великого колориста своего времени, и даже прозвище «Тициан Божественный». А умрёт он от чумы — заразится от собственного сына и в последние мгновения жизни проведёт в мастерской, пытаясь доделать очередной шедевр.

 

Художница без рук Эме Рапен и армянский композитор Степан Элмас-история любви.

https://www.armmuseum.ru/news-blog/eme-rapen

 

Первый раз услышала об этом художнике и первый раз увидела эту картину.

Посмотрите, какая прелесть.
Вот смотришь и чувствуешь, с какой любовью написано. Удивительно добрые и нежные чувства вызывает.
И еще тут видно настоящее русское … уже давно замечаю, что настоящее русское переродилось заменилось на что то казачье … на разухабистое казацкое с шашками, папахами и черкесками. А ведь казаки всегда доказывали, что они отдельное сословие, отличающееся от русских.
Или вместо русского выскакивает Бабкина со своим горлопанским коллективом в диких нарядах и псевдорусскими песнями. А вот того, что было в союзе, нет. Нет Березки, нет танцев, как у Моисеева, нет русских хоров … нет русского, спокойного, достойного, родного.
А на картине мы это видим.



На авансцене сельского клуба в лёгком полупоклоне замерла девочка-подросток. Её выступление только что завершилось, и публика от души чествует исполнительницу. В благодарность за душевный приём героиня посылает залу искреннюю тёплую улыбку. За спиной девушки кто-то любопытный глядит в щёлку занавеса, сбоку за кулисами маячат восторженные лица.

Картину «Первый успех» в 1954-м году создал пермский живописец Пётр Оборин.
Однажды художника пригласили посидеть в жюри самодеятельного смотра. Его и остальных слушателей особенно впечатлило выступление участницы Пани, уроженки городка Кудымкар. Зрители устроили юной певице продолжительные овации. Этот момент особенно запомнился мастеру, и с разрешения самой девушки он решил её запечатлеть.

Готовое полотно с успехом демонстрировалось на Всесоюзной выставке в Москве и участвовало в зарубежных экспозициях. Сегодня картина хранится в коллекции Пермской художественной галереи.

 

Удивительно реалистичные акварели художника-мариниста Станислава Золадза

Спойлер

 

Память дня.Павел Филонов.З декабря.

Спойлер

3 декабря 1941 года в осаждённом Ленинграде умер от истощения русский живописец и график Павел Николаевич Филонов. Это была одна из первых смертей от голода в городе, что, в общем-то, не удивительно: ведь Филонов прожил свою жизнь даже не в бедности, а в нищете, постоянно недоедая ещё и до начала войны.



Автопортрет, 1921 год. Павел Филонов

Не закончив Высшее художественное училище при Академии художеств из-за принципиальных разногласий с академической профессурой, начал самостоятельный путь художника. Филонов воевал рядовым в Первую мировую войну, делал революцию и был революционным вождём-командиром. Он творил Советскую власть в изобразительном искусстве, был бескомпромиссным коммунистом. Дальше создал своё аналитическое искусство и школу Павла Филонова. К нему часто приезжали художники со всего Советского Союза и из других стран, но за свои уроки он никогда не брал денег, хотя жил впроголодь.

Павел Филонов не продавал свои работы. С иностранцами, которые интересовались его творчеством, даже не вступал в переговоры. Художник решил все работы подарить России. После начала блокады Филонов дежурил на чердаке, сбрасывая с крыши зажигательные бомбы: он очень боялся, что главное его богатство – картины, то, что он создал за всю свою жизнь погибнут в огне. Павел Николаевич, закутанный в лохмотья, часами стоял на продуваемом всеми ветрами чердаке и говорил: Пока я стою здесь, дом и картины останутся в целости. Но я не трачу время даром. У меня столько замыслов в голове.

Но замыслам этим не суждено было свершиться. ...он лежал в куртке, тёплой шапке, на левой руке была белая шерстяная варежка, на правой варежки не было, она была зажата в кулак. Мне трудно объяснить, почему, но эта правая рука с зажатой в ней варежкой так поразила меня, что я и сейчас, более чем через тридцать лет, вижу её... Нет, это непередаваемо. Рука большого мастера, не знавшая при жизни покоя, теперь успокоилась. Всё, созданное им, осталось, стоит его мольберт, лежит палитра, краски, висят на стенах его картины, висят его часы-ходики, а его нет, – вспоминала сестра Филонова.



Пир королей, 1913 год

В городе гроб был роскошью. Сама мысль о том, что придется так похоронить брата, ужасала его сестру Евдокию Николаевну Глебову. Союз художников оказал Филонову свою первую и последнюю услугу – выделил девять досок на гроб. Пока доски искали, мёртвый художник несколько дней лежал в промерзшей комнате, накрытый своей знаменитой картиной Пир королей...

 

Великолепная резьба по дереву.

Спойлер

Резьба по дереву известна с древнейших времен и многие резчики достигли в этом искусстве абсолютного совершенства. Представляем подборку красоты для восторгов и наслаждения.


Работы резчика Эфрейма Родригеза

Сергей Бычков, детство


Работы китайских мастеров


Antonio García Neira (Израиль)


И снова Китай


И снова гениальный Эфрейм Родригез


Livio De Marchi



Livio De Marchi


Стул, 19 век

Fred Zavadil

Индийская резьба

 

Потрясающе!!

Невероятно … какие чудеса могут творить человеческие руки!

———————

26 июня — день рождения Юрия Васильевича Волкова (1921—1991) — советского художника-баталиста. И он не просто отображал войну на своих картинах, он сам прошёл её дорогами. С фронта писал брату: «Я раньше изображал войну, но никогда её не видел, теперь я знаю, что такое война». Потом — ранение, плен, побег из плена, возвращение в ряды Красной Армии. В её составе — взятие Вены и Будапешта, освобождение Праги.

Спойлер

Преследование. (Не уйти). 1947



Выводы для себя художник сделал такие: «Фашизм кроется в самой природе человека: в жестокости, в снобизме, себялюбии, мещанстве, обывательщине, стяжательстве, карьеризме, властолюбии… Это первые ступени на пути к фашизму».


Поединок. 1950-е



И после войны он продолжал жить войной в своём творчестве. Журналист Б. Случанко, побывавший в его студии в 1956 году, писал: «Каждый, кто заходил в мастерскую, невольно мог подумать, что попал в разгромленный немецкий штаб. Навалом лежали шинели, чёрные немецкие мундиры, каски, тускло блестело серебро офицерских погон, угрожающе темнел ствол автомата…».


Расплата. 1956—1957



Художник Валентин Перевозчиков вспоминал, что художник не допускал в своём творчестве того, что ему казалось малейшей фальшью: «У него бывали ситуации, когда он своё «я» не мог сломать, перешагнуть через себя.

Однажды я пришёл к нему в мастерскую и увидел там эскиз к картине «Приезд русского посла Абросима Ладыженского в Бахчисарай в 1614 году», которую ему заказал Бахчисарайский историко-археологический музей. Как известно, все послы на коленях подползали к крымскому хану. Он не мог, с одной стороны, пойти против исторической правды, а с другой, показать такое унижение».

В конце концов на эскизе Волков изобразил не свидание посла с ханом, как то требовалось заказчику, а просто торжественное прибытие дипломата в Бахчисарай. Но в итоге замысел холста остался нереализованным.


Херсонесский тупик. 1953



Подвиг пяти черноморцев. 1948



Последнее масштабное батальное полотно художника «Не забудем», где была показана цена победы в битве под Сталинградом, на Всесоюзной выставке в Москве в Манеже в 1960 провисело всего три дня. Не устроило кого-то слишком натуралистичное изображение погибших, которое придавало произведению... чрезмерный трагизм.


Варианты картины «Не забудем» («Один из многих»). 1958—1959



11 дзот



По-моему, эмоции художниками владели примерно одни и те же, и отношение их к своей «натуре» практически совпадало. Это обличение всё тех же «снобизма, себялюбия, мещанства, обывательщины, стяжательства, карьеризма», которые, согласно выстраданному мнению художника, ведут к фашизму.

Юрий Волков во время работы над полотном «Расплата». 1956